新技术、新媒介时代的闽派批评之：闽派艺术的崛起与局限

新技术、新媒介时代围绕大数据概念的提出展开。媒介的形态纽约福德姆大学教授保罗•莱文森 (Paul Levinson)在其《新新媒介》一书中提出了当代媒介的“三分说”，即旧媒介、新媒介、新新媒介。 按照这个思路，闽派批评在新技术、新媒介时代也是媒介融合并存的时代。只不过新技术、新媒介时代媒介的形态整合已经从“多媒介”向“跨平台”转移。在大数据时代的数字化环境下，媒介产业的构成不再仅仅是传统的内容生产、制作、发行，而是一个有多元竞争的传输网络、产业化系统化的内容和可控可用的用户信息需求共同构成的新型数字传媒产业。莱文森的媒介进化论认为，任何一种后续的媒介都是对过去的某一种媒介的功能的补救和补偿，媒介的发展过程就是新媒介不断弥补旧媒介缺陷的过程，而且这种弥补过程是一种技术发展越来越贴近人性化的过程。随着媒介生产的全媒体化艺术运营，媒介使人的感觉和感官得到更宽广的扩展和延伸，人们处于一个视觉、听觉、触觉能力综合延伸的全景化艺术时代。大数据时代的信息传播日益数字化、智能化和网络化的特征，突出了知识经济与知识管理的重要性。媒介整合从信息传播终端发展到用户终端，用户体验日益受到重视，在媒介的选择上也将日益体现。福建师大导师孙绍振先生就闽派“新的美学原则在崛起”中更多在谈到文学。早在2005年罗唐生发表在《时代作家》主编张富英发表的9千字一文章---《聆听诗歌的声音及触摸它的疼痛》就中国文学无大师的四点理由也谈过诗歌。当下也然，即便是所谓的大师，也有为了功利而炒作(抄作)的。古诗与现代诗缺少了对接的桥梁，本来乡贤徐志摩的新月派做过尝试。如再别康桥等，但他早逝;另一乡贤鲁迅只做古诗和专注小说和杂文;郭氏，早期《天上的街市》、《凤凰涅槃》《炉中煤》等还好，但他做着做着就滑翔成口号了。现在我们就围绕新技术、新媒介时代的闽派批评，浅析闽派艺术的崛起与局限。

孙绍振先生说：在历次思想解放运动和艺术革新潮流中，首先遭到挑战的总是权威和传统的神圣性，受到冲击的还有群众的习惯的信念;罗唐生认为就上个世纪至今文学艺术领域中的革新潮流，也不例外。 绘画方面好些，如绘画方面好些，如张大千、傅抱石、李可染、齐白石、黄宾虹、徐悲鸿、潘天寿、谢稚柳、林风眠、黄胄、李苦禅等，随后而来的少有创新性旷世经典之作(指少有诗心和文心而论)，因有兼收了中国古代和西洋的画风，加上颜料的进步和革新，让人有色感的愉悦和冲击力);书法因新诗无桥梁对接，难以创作好的作品。启功先生之后无大师是也，随后的大多只是临古人之作和抄写古诗之嫌，成了匠人，甚至连匠人都不是。因此，品徳的修养就显得特别重要，我们一直这么坚定地认为，无论什么时代，没有徳行，艺术是走不远的。

罗唐生认为同样也反应在艺术界。权威和传统曾经是我们思想和艺术成就的丰碑，但是它的不可侵犯性却成了思想解放和艺术革新的障碍。纵观上个世纪，福建除了陈子奋、郑乃珖、潘主兰、宋省予、沈觐寿等大家外，随后的闽派一批老一代的画家也受到这种障碍和影响。

我们支持这样的观点：什么样的书画才是好书画?最基本的五个条件是：一、具有一定的技法难度。二、肃本清源。三、有文心有美感。四、个人风格鲜明。五、内在情感流露到位。古今中外，抗风险，走的远，名气不衰的艺术家，考量的除了技法，还有人品和艺德。

当然审美转型，即建立在哲学美学框架内，进行一种新图式创新。同样书法艺术也应在这个新时代进行审美转型，国内许多书法家正在探索。但这方面闽派书法做得还不够，因为受地理位置所限，目前大多还处在工匠时代，当然工匠精神也是要的，但不可过度痴迷，我们想进行一些审美转型的培育，也做了些尝试，但效果不大。闽籍书法家们，目前只有以陈奋武、吴乃光、朱以撒、李木教为代表的书法家一直在苦苦支撑着，随后的有吴昌钢、沈亮光，连长生，米伟，余端照，张煌，叶发础、朱盛柏，吴应辉，黄宝春，卢克锋、 林传生、陈代安 、王乃通 、吴茂长 、林心健 、雷成轩、陈峰 、孙忠光 、林荣清 、游作忠 等。他们有无留下经典之作，得让历史去说，除了自身修养和努力外，真正好的作品，得经得起历史的检验。

因此， 就上个世纪观察，诗书画仍难有达到唐宋时期的高度。福建好在有一批觉醒的先知们，己欲通过创新来弥补了这方面的缺失，或者说在新技术、新媒介时代的闽派艺术正在崛起：林容生、杨挺，宋展生、陈济谋 、曾贤谋、徐志坚、黄莱，游火旺，缪又凌，梁明，石齐、唐承华、李辉、东方健、刘瑛、马婉玉、姚莉芳等为代表的画家们，他们痴痴不倦地追求艺术的真谛，令人动容。

以下我们就分个案来剖析：

林容生的青绿山水“地理乡愁”摄我心魂，进入绘画史当无虑。尽管有人一直在我面前说三道四，我仍坚如磐石地认定其历史价值。

近年来，我们福建出现了很多绘画大家，他们都有自己的绘画语言和绘画的一些表现方式。比如我们的山水画家林容生先生，他就是用青绿山水来表现我们福建这种环境的优越性。因林容生先生是研究传统，追随北宋时代的一些大家，从他作品上来说，在块面、线条和形式上大胆地利用了我们的青绿山水来表现我们南方人的整个风土人情，还有福建的山清水秀。

林公翔先生说过：“林容生作品的画面体现出来的风格和特征，具有十分典型的个人化的视觉体验和空间感受。他以清冷而略带孤独感的方式诉说着梦里家山的故事。”我非常认同，不知您认为如何?

说到林容生兄，在这里罗唐生想先说说两个词：“同道”与“乡愁”。他说：我一直认为一个人与一个人结缘，要“同道”，所谓“同道”，在这里就是“乡愁”(我接近“知天命”却要背井离乡，此去让我“乡愁”浓烈)。多年前，一次偶然的机会，我发现我的诗与画有着难以割舍的情缘;好好的我就写起“乡愁”诗。如诗“渐渐抵达的村庄”“在山区”等几十篇作品，都是在“乡愁之道”上狂奔。于是我就想以诗入画，或寻画配诗，不管是在小说里，还是在散文内，我都以画解“乡愁”。这不，一跑出去就是十年，还遇着了别人难以寻到的林容生兄长，并郑重地邀请他出任中艺福建名誉院长;让我万分惊喜的是：他欣然接受了。

罗唐生对林容生兄青绿山水画的理解：林容生这位从三坊七巷这个有着独特的文化魅力的地方走出的新生代青绿山水画大家，同样得益于福州深厚文化底蕴的滋养。我一直认为一位画家如果没有文化方面的修养，他的路是走不远的。根据我对林容生的研究发现，他不仅画好，诗书篆刻也非常精通，他每一幅都会配一首诗或文，并用书法题款。这就是修养到家。而且，正如文化评论家徐恩存曾说“被林容生征服的，还乡精神，这是以抒情性质的‘乡愁’溢满画面的诗意，整幅作品因而覆盖着淡淡的忧郁;这种忧郁相当朴素、沉寂、清澈、澄明，却又弥漫着闽地浓浓的乡思。”我不仅认同，还因为自己是闽西北人，又多半过着自寻的“忧郁”与“清苦”的生活方式，自然感受得到林容生兄的作品中有着浓烈的“地理”乡愁。这种“地理”乡愁，我认为是低下姿态，行走于古老村庄，跋山涉水苦苦寻觅方能得到的古老乡野之美，而不是坐在画室就能轻易获得的。我是这样看待林容生画中的“地理”乡愁的，林容生用诗意的语言来描绘“精神还乡”的情怀，总是让我泪流满襟，如果画家没有“怀旧的苍凉”和“大悲悯情怀”来做这种苦行僧的差事，我们精致的文化传统就可能在人们的留恋中失传。正因为画家才情的漫溢，还有骨子里面的谦卑，以及 “一个人”在高度自信下对家园真诚的“敬畏”，才使他的作品产生了非常的重量，同时而又具备抵达人心的力量。我认同“林容生以‘深沉清雅古厚’与‘纯正凝练简约’的青绿山水建立一种对文化语境的体验，对人文境遇的认知以及对文化精神的守护。”也是画家一生一世的精神的“家园守望”。从而让他成为新生代青绿山水画(“地理”乡愁)的代表人物，也许是历史必然的选择。

从“地理”乡愁中“探寻和感悟积淀千百年的文化内涵和精神目标。”画家精心选择了具有普遍意义的闽地山水意象，它总是神祇似地，大处望眼地球的各个角落，小处着眼于灵秀山水、闲云野境烘托下的旧城、老屋、街巷、田园、阡陌、山岗等。他的组织“绘画情节”，不是蒙太奇似地传换，而是时时关照“地理乡愁”下的意象空间与时间进行形式和细节上的处理，线条笔墨细微的差异，色彩冷暖黑白的波澜变化，乃至旧式的白墙黑瓦的结构组合等，无不在时空转换中寻求韵律，并应用色彩、块面的结构方式让人有着身入其境的亲切与和谐之感，画面效果是满目沧桑，而让人有一种生命与自然相依相存的同质精神价值认同。

不仅于此，罗唐生认为林容生兄在诗意语言绘画中，在某种心智的宁谧下产生的孤独，来拓展其空间，并抬高其境界和语境，这与他画中的纵横交叉的线条分割密切有关。他让我们不知不觉地感觉到在“枯寂”的山野中忽然偶遇了活水和甘霖，并寻觅到久违的心灵源头，那种质朴单纯、恬静逸趣、简约朴素的风格，在宽廊疏柱、远山近岗、林木花簇，青砖汗瓦中保留着最初的本意，“透露出久远文化的踪迹，这其中为精神的归来留下了无限伸展的弹性和空间。” 如果没有“乡愁”的精神指向，是难以达到“双重意义上完成了精神的还乡”而且他与一般性田园牧歌不同，他在诗画双修的灵性感召下，其诗画双修将陶靖节公的“采菊东篱下,悠然见‘知性’的南山。"收囊其中。其“灵性”浸润着多少人生况味。

罗唐生说：我无意在中国文化精神中找到源头，可庄子的预言，我们的鲲鹏之志，其《逍遥游》中阐述的“至人无己，神人无功，圣人无名”的道理。文章最后通过惠子与庄子的“有用”、“无用”之辩，在林容生作品中也能找到佐证。如作品《武夷山写生•后源村》、《武夷山写生•下梅古镇(三)》、《▲武夷山写生•马头岩》、《武夷山写生•吴屯乡》虽然都源于自我生命体验却都在历史文化背景转换下的，更高层面上 “精神还乡”的记录;虽然“忧郁中的孤独”与“岩崖、老屋”意象取舍后具有美学象征的苦苦求索与冥想，所隐潜的还是文人画家那种寂苦中“逍遥”的“精神还乡”的生命体验。且在林容生兄的作品中，我们发现他“解析自然山水的人文意义的思维特征：回到特定的历史氛围和文化情境中，寻找精神与山水的会心处。”还有游历情怀。譬如《春寒已过》《▲花语 》、《园林之十二 》等作品中，无不描绘出淡泊、静谧的品格表征，还有文人隐逸、品游的境界，这种由山水园林熔铸的历史文明特证与人们的命运得到充分的再现。

如上所述，罗唐生在“地理乡愁”：“山川田园、民居家园”中寻到了“同道乡愁”，其心灵游历中所体现出的恬静、高远，在精神境界与自然之美的现场中有了美的创造力、感受力和表现力。这正是林容生骨子里的理想主义和诗意体验分不开的，他总是在“眷恋”的“地理乡愁”回望中，让人怦然心动：吾“生”乡愁。至此，我还是想用我曾经写的诗《在山区》、《我到过的秋天》、《阳光爬满雅典卫城》收录下来。

罗唐生收集了林容生兄有关对绘画的讲解。

他说：中国画的学习过程，有三个步骤：首先是师古人，这个在山水画当中尤为明显。就是要从临摹开始，临摹的意义实际上在于向古人学习，通过这个过程了解在传统绘画里头我们古人所用的一些基本的方法，所表现的对象当中体现出来的那种精神和形态，我们可以通过临摹去感受、掌握這些东西。还有一个是写生，叫做师造化，写生在人物、花鸟、山水的学习和创作中，都是一个很重要的实践过程。院校的教学，写生是一个很重要的环节。以往我们要通过写生来收集素材，但是从这个意义上来说，它的功用我们现在可以用照片来代替。写生可以让我们感受生活和自然鲜活的美，并练习和创造表現它们的方法。最后一个，就是我们经常说到的师古人师造化之外，还要师心源，师心源就是要尊重我们自己內心的存在。繪畫的根本是表达自己內心的需要，创作的出发点源于此，也归于此。——摘自《北京大学艺术学院2014中国画教学文献》

除此之外，我还要谈到“画品”，我们对画画的认识和热情，最初是建立在对自己那只手的信心上的，因为我们知道，不管怎么说，画画是一门手艺。

于是不论是先生教画画还是学生学画画，一开始都是把训练手头的技巧看作很重要的东西，即便是在现代的院校里，我们也把美术专业称为“术科”，并安排了大量的时间来做技巧练习。以国画来说，这些练习涉及执笔和运笔的提按顿挫动作、墨色的浓淡干湿变化到工具材料的了解和应用以及临摹与写生中对形象和笔墨愈来愈精确的模仿与展现，其中也包括了我们对某种乃至多种己被认为是完美的法度与风格的模仿与展现。由此我们获得了一种技术上熟练。这种熟练使我们具备了基本的造型能力和画画的信心，尽管它仅仅建立在用手的基础上。

谷雨 纸本水墨设色 200x160cm

这样用手画出来的画，古人把它称之为“能品”。有人把它锁定为目标，下苦功几十年。技巧熟练的作品表面上完整漂亮，但往往缺乏深度。

于是我们开始用一种做学问的态度回望历史，环顾现状，关注形式。开始用头脑思考和比较古代的、现代的、东方的、西方的，写实的、表现的、具象的、抽象的，并期望在自己的作品中创造出一种与众不同的法度和风格——从题材到内容，从形体结构、笔墨结构以及构图、色彩、肌理到它们之间的节奏关系等一系列绘画的形式因素，通过想象寻求灵感和标新立异。这种努力的目的要超越传统的法度，建立有个性的样式并使作品获得某些学术上的意义，提升作品存在的价值。

曲溪乡的村庄 纸本水墨设色200x160cm2014

用手加上用脑画出来的画，体现了精湛的技巧和聪颖的智慧，在这样的情形之下，用古人的话可以把它称之为“妙品”。我们为自己具备这种能力和智力而开始有了一份成就感。画画的过程中的这种理性的探索看起来理所当然，但依然有一种为获取成就而作为的功利倾向。它使画画成为缺乏激情的思辨，有人在获取了这份成就之后固步自封，并在功利的制约之下和陶醉之中丧失了创造力。

春月 纸本重彩63.5x67.5 2015

于是我们开始追问自己“我们为什么画画?”事实上在古今中外许多大师的作品之中我们看到的还有许多手艺和学问之外的东西——有的痛苦有的快乐有的深沉有的激越;有的崇高有的真诚有的纯朴有的超然。我们由此窥见他们的心路历程，体察他们的心灵世界——那些作品超越了技巧和智慧体现出一种精神，让我们获得了真正让我们感动和给予我们启迪的东西。

远处的山神态自若 纸本水墨设色 136x68cm 2015

这种超越了技巧和智慧体现出的精神，中国人称之为“气”。我们说云林的画有清逸之气，弘仁的画有冷峻之气，八大的画有孤傲之气，都是一种精神状态的真切体现。而我们由此可知他们的内心必有一段不同流俗的空间，必有一所不同常人的世界。

这种精神，生于天，养于地，成于心。有了这种精神，画画才能超越技术超越学术而真正地成为艺术。真正的艺术是心灵的，它不张扬技术、不炫耀智慧，它呈现的是我们的内心世界。因此，画画除了用手用脑，用心也是很重要的。读书识理，“加以致知格物之动，悟道参天之力”，逐渐实现心灵世界的充实与脱俗，是养气的基础，也是用心画画的前提。

用心画画，要有一个对自然对生活感悟之心。这种感悟之心建立在我们在亲近、关怀自然与生活的过程中对大千世界至善至真至美的体验和接纳之上，它可以使我们的心灵世界更为亲近和关怀自然与生活的大千世界。

晨曦 纸本水墨设色 136x68cm 2015

用心画画，还要有一个对生命与个性的珍爱之心。这种珍爱之心建立在我们在艺术与人生的旅途中和有缘有情的一切真诚相重和欢喜相待之上，它可以使我们的心灵世界更加贴近和包容广大的大千世界。

用心画画，还要有一个清静之心和平常之心。清静之心可以让我们在画画的时候去除急欲与纷扰，身心处于宁静清安的状态一心一意地乐享笔动墨流之趣;平常之心则可以让我们尊重理性的同时也尊重感觉，面对功利而不执著于功利，以一种轻松平静的心情自由自在地在画画的过程之中流露心迹。

奥地利第二大城格拉茨 纸本水墨设色 41.5x56cm2015

用手用脑再加上用心画出来的画，大概就是古人所说的“神品”了。

古人认为“神品”己经是一个很高的境界。我想也是。而最高境界的画是在实现了对生命的澄澈观照之后大彻大悟的境界。不执着于手，无挂碍于心，如弘一法师的“天心月圆”、“悲欣交集”，如周思聪淡墨中的莲花，那是一种用生命画出来的画，客观地说，不是我等平常人所能轻易达到的。

————己卯年初冬于闽中卧云堂

夜寂寂 纸本水墨设色45x68cm2014

林容生老师授课中

不执着于手，

无挂碍于心，

如弘一法师的“天心月圆”、“悲欣交集”，

如周思聪淡墨中的莲花，

那是一种用生命画出来的画。

所以林容生先生是我们整个福建的山水画家以“地理乡愁”走出去的代表，应该是他在整个绘画的语言方面说在全国的知名度和影响非常大。在学术上非常有深度的探索，在绘画语言上还有独特的一些思想。他是巧妙地利用一些书法线条、构图和色块，以及表现我们客家及闽地的一些建筑、农村里面的这种文化气息。历史就这样定格这位画家。

杨挺的工笔山水，有新山水画特征，有传统又能结合西洋画，“淡雅清丽，色彩和谐，气韵生动。层峦叠嶂间几处流泉飞瀑，意境幽渺，蕴含无限诗情;绿野浓荫掩映着溪桥村舍，烟云初起，宛若春风惊鸿，动人情怀、引人向往，给人强烈的艺术震撼。”

杨挺先生的艺术能达如此境界，诚非易事，盖源于其扎实的传统功底。他稚年习画，受业于八闽画坛耄宿郑乃珖门下，得到严格的基本功训练，加之天资聪颖，不懈的心摹手追，历练弥深，故而根基牢固;也源于其几十年矢志不移的艺术苦旅，熔古铸今，吸纳东西，广取博收，化为自家血脉，炼就丰富的艺术语言：他的线条，富有弹性和表现力。杨挺先生能书善篆，他的线条参以金石和篆意， 看似行云流水，却劲健俊逸，变幻无穷，又充满笔墨情趣;他的敷色，吸收水彩画的技巧，恣意挥洒，极具自然色彩。他从对敦煌壁画和永乐宫壁画的长期研究中，还悟出用灰、白色调将淡雅清丽和浓艳灿烂相谐和的一套独家路子，从而是他的山水绘画与传统的青绿山水、浅绛山水有了分明的区别，而令人印象深刻。因为真是因为杨挺先生在画中各种浅灰色调交融，所以他的作品画面色彩清丽明快又不失浑厚苍润，恰到好处地表现物象的远近明暗和层次，营造出变幻莫测、隽永耐看的意境。所以观先生的画，给欣赏者的总是清新质朴、诗意盎然的田园风情。我行我素的题匾篆趣及线脉雅韵

杨挺试图让它们在彰显亭台、楼阁和桥的品质的同时，形成一道意境幽远、乐趣盎然的风景线。匾额是中国传统建筑上的一个书法饰物特征，是传统建筑与幽深的文辞以及书法艺术的集大成者。匾额上的内容多是体现孝道、祈盼、颂勉的文句，寥寥数字，言简意赅，展现的是主人自强向上的精神境界，体现的是人们对真、善、美的崇尚和追求。他着迷篆刻，儿时就摆弄着刻刀和寿山石。后来，辗转到河南安阳追慕殷墟的甲骨文，赴山东临沂金银雀山寻觅竹简，登临泰山观石鼓文。这些经历潜移默化地融入到我的篆书、篆刻研究之中。中国画的线条实际上是一线两用——它既要求造型，又要求融进书法韵律，而不是简单地进行“以线切面，以线造型”。中国画的线条由于吸收了金石、书法的韵味，故行笔“无垂不缩，无往不收”。含有书法韵味的线条在画中能起到直抒胸臆的作用，使画面更加耐人寻味。在恬静时刻，我常常依照“老僧补衲”般的方法，伏案、执管、勾线，试验着笔、墨、水、色的“游戏”规则。那游丝绵延缓行，徐徐穿梭在生宣上。水墨在运行中透出生动有趣的韵律，墨线两旁的边沿渐渐晕开，微微涨出奇丽的图案。借助于线条的力量，我描绘着世间万象：流淌着的小溪，和风暖抚的蒹葭，飘忽不定的悠云，榫卯相接的寺观楼宇，古韵幽幽的匾额楹联，还有那成群结队翱翔着的白鹭……线条的轨迹抒发着我胸中炽热的情感。古人作画时常用柳条“以香朽其势”，他能十分阻碍墨线自由舒展地发挥，容易束缚灵动的手笔，乃至进入刻板的胡同;而直接勾线绘写，可以表达意境、抒发逸气，使线条活脱、脉络灵动，偶尔还能出现“弯弧挺刃”的意外效果。“老僧补衲”是一种朴素的心态，要心正、心静、心净、心明。我基本上是一个“笔墨线条主义者”，所以希望自己的艺术根植于比较广阔的中华文化精神空间中。在创作这幅工笔画时，我试图在繁密的意象结构中寻觅深远和浩大的感觉，以富有书卷气息的线条穿梭其间，加强勾勒线条的张力和冲击力，努力实践“锥画沙”“屋漏痕”的形象法理。我深知“书画同源”的道理，因此将小篆的线条与造物的线条融为一体，使画面韵律和谐统一。我欲在园林山水画的创作中营造古今相融、相衬的氛围，以篆书、篆刻、匾额等元素强化画面。我将款识、匾额上的篆书、印文与画中的线脉紧紧结合，用奇诡的篆书在匾额上题以滋味幽深的古语、吉句，力求塑造出自我的艺术符号。在中国画中，看似简单的线条却蕴含着一个艺术家的深厚底蕴。

南齐谢赫的“六法论”，除了“随类赋彩”外的其他五法，都与线条关系密切：“气韵生动”，从整体线条组合的表现力度统领全画面中获取精神气质;“骨法用笔”，从行笔过程中透射种种书法挥写的风神;“应物象形”，以书卷味的线条塑造美之对象，以达到形神兼备的效果;“经营位置”，用长短、干湿、浓淡的线条营造中国画的章法，以及散点构成、焦点构成等多元化的格局;“传移模写”，吸取前圣的精华，通过线条的勾写、烘托出种种逸趣。在此作中以书法入画，使线条自始至终贯穿画幅，时而波折，时而顿挫，时而刚劲，时而轻柔。我试图通过线条的变化来营造韵律感和节奏感，并体现出造型美和意境美，使得作品呈现静谧幽远又亲切入世的氛围。

有人说他是“以画入篆”，也有人评他是“以篆入画”，并“守住篆书、篆刻的底线，在雕龙画栋中，常感觉到一种清秀又含书卷的气息”。艺友看了我画中的“题匾篆趣”后，评价道：“远观牌匾如瓦当上的图饰，近瞧却是苍浑遒劲的篆书。”这也正是我在《轩窗满翠微》中要达到的审美效果。我在此作中力求塑造出稚拙天真、古朴遒劲、妙笔生花的境界，希望形成诗、书、画、印、匾的和谐连接。

因为喜爱，罗唐生也就尝试地给杨挺院长的画配过三首诗。

1、青嶂苍崖间

杨挺画，罗唐生配诗：

青嶂苍崖间

罗唐生

翻过一层层波浪起伏的苍崖

冷不过墨色，流水明亮

有过的脊梁暗藏着闪电与鸟鸣

青嶂树中还有书法垒积的线条

优美而伤感，透漏出少女情怀

坐落成如此浩大的静穆，厚重与孤独

山是被风雨剥蚀了

我却拥抱在万籁俱寂的恋情中

有如千万马匹的嘶鸣

最后被雨水一次次洗却后

归于宁静

大雁时空连线：水墨和人性是接近的，浓的是愁，淡的是开解，而浓淡结合后出现的山水，就体现除了热爱生命、自由存在、雅致生活的诗意。

2、清夜沉沉(中国画)

杨挺画，罗唐生配诗：

清夜沉沉(中国画)

罗唐生

最冷的风穿过

肆意妄为

有船停泊心灵港湾

清夜仍无法入眠

远眺山峦

层层梯田抱在怀中取暖

我不知蝮蛇隐退

石阶光滑、可怜

夜色沉沉

沟壑纵横于心灵地理

我在它们之间泅渡

将远山与近景

蓝成一片

终于，我隐忍不住

泪水落满清辉

大雁时空连线：当人的感情沉浸的时候，会在内心出现一种连绵而重复的画面，这就是生命的纹理之美，不需要烦躁，只需要恰当沉入其中，成为美的一部分。淡蓝的色调，清冷的气质，出现了一种人和景的冷融合的清透开明的中国文人风范。

如此成就了两位福建山水大家。

东方健(柯健)：

宋展生兄那是所謂腹有詩書氣自華。真名士自風流。長安山下，我們三個人各擅所長，走的最近。只我落伍了。現在說來，相當于傍大腕。

罗唐生：

兄与三位大家一同出道，同样有大家情怀，而我认为兄长的书画，与齐白石、黄永玉同类，一样精道只不过兄更具备庄子情怀，不显山露水而已，同样让我敬仰。这就是2013年我们四人在聚会时，兄不记得我，我也忽略了兄的原因。但我认为有缘人终将走到一起。这是命定的必然。这有缘人包括中艺福建山水画家南平的危安国、林福全，宁德的周道述、一城等等。他们爱为热爱这一方乐土而扎根于闽山闽水之间，为叠加高山之势而努力前行。

宋展生“万鹤在胸”写意花鸟画有其修行和创意：宋展生花鸟画作品，你慢慢地品读就会发现。宋老师是闽西人，从小在闽西长大。所以他在传统的绘画上创新，尤其是在通过工笔、笔墨写意发挥自己的特色，工笔画跟笔墨画、水墨画他如何结合?把我们闽西尤其是我们福建山区里面的一些花鸟，包括一些动物等等各方面表现得非常生动。

值得庆贺的是：宋展生的写意花鸟画以精炼简约的笔墨和诗一般的含蓄来表现物象，以笔墨率意及意到笔不到的淋漓酣畅手法抒写情怀与思绪。从他的画中，可以读出他对自然生命的怜爱，对田园生活的眷恋，对世事变迁的感喟，对人生真谛的感悟，乃至难以言表的欢快、豪气、温情等情绪与心性。作品非常注重画面整体视觉效果。他的笔墨不过分拘泥于状物，强化笔墨从属于内心感情的流泻，以大笔大墨塑造画面的整体形象，同时又以静中有动的总体势态显现强烈的个人情感。他喜欢用大块面淡墨衬底，那氤氲弥漫、韵味十足的墨色，既营造了画面的诗意氛围，又增强了画面的整体感。同时，使画面的虚实、浓淡、主次、大小、明暗等对比关系更为突出，进而使画面产生灵动又严整、明快又和谐的艺术效果。

宋展生先生的画面，表现的非常有灵气，所以你看到他的花鸟画作品以后，感觉到非常自然，而且有动态，有灵气，就是他表现的一种自己个人的一些独特手法。所以他跟很多全国的花鸟画家完全都不一样，他的花鸟画非常生动，非常活跃，他采用的一些手法、技法具有相当的灵动性。

宋老的“鹤"我一直认为其有“万鹤在胸"气势，于灵动中将写意花鸟画发挥到淋漓尽致的境地，使人们喜而百看不厌。而我每次再读宋老的画，总有一种要写写什么的冲动，尤其让我感动和欣慰的是：一位画家能痴痴不倦于“鹤"这个词，其美的意象作为一生追求的目标，终成当今画坛令人仰慕的"鹤王"，不是谁都能做得到的。我想这与个人修养和性情密切相关，他能吸纳天地灵气与一身，于灵动与翔飞的姿态，存“万鹤"于胸，挖掘和生发出更宽广、更高运的景象。这就是我认定他必将超越前人的理由。

大家都知道他的鶴一流，殊不知他的文章，那可真的很了不起呢!

是的，前天我去拜访他，与他谈到他的画。他对画的领悟具有深刻的思想性，同样也具有评论家的理论高度，特别是一位画家所具备的修养，他均具备，当然他的文章一样精彩。这就是他令人敬仰的理由。

对于从事艺术创作的人来说，提高文学等修养是“养气”的有效途径之一。宋展生早年先后攻读了大学的中文系、美术系，双学科学历使他受益匪浅。在长期的艺术实践中，他坚持致力于读书和绘画，潜心传统，力主学识、修养、画技不偏颇。我们知道，画家表现生活，从物象到艺术形象，需要有认识上的升华。这种升华，要通过美学上的“移情”作用，达到“物我同一”，创造出比本来形象更本质更凝练的艺术形象。在这一过程中，画家的功力、修养、经验和艺术趣味无不受到考验。如何发他人之未发，就需要画家的“识”作判断，“力”为支撑。

宋展生友人认为：宋展生喜欢画乡间的花卉、蔬果、竹笋、莲藕，山野的麻雀、白鹤、白鹭、八哥等。诸如《故乡旧风景》《客家雨霁》等作品，洋溢着芬芳的泥土气息。我想，这与他从小生活的环境不无关系。他对生他养他的乡村故里始终怀有一份赤诚感情，这份感情时不时地唤起他的创作欲望和艺术灵感。值得一提的是，宋展生的不少作品是给学生授课时的示范之作。这些即兴挥就的随意之作，是直觉与灵感的生动记录，俨然一幅幅心灵速写。这似乎印证了唐代美术理论家张彦远的说法：“夫运思挥毫，自以为画，则愈失于画;运思挥毫不在于画，故得于画矣。不滞于手，不凝于心，不知然而然。”

欣赏宋展生的画作，使我想起清代文人叶横山的文章，他主张学文要“才、胆、识、力”四者具备——“大凡人无才则心思不出，无胆则笔墨畏缩，无识则不能取舍，无力则不能自成一家”。宋展生所关注的花鸟画精神，已不完全是古人多注目的主题领域;他所表现的审美情趣与思想感情，也有别于古代文人的高古自持或感时伤怀;他所运用的笔墨形式、艺术技艺既不远离前人轨辙又渐开新径，能时出新意奇构不同流俗，可谓“入古出新”。花鸟画在他手下，笔以情迁，墨华自润，意趣天成，自有几分儒雅、闲适与古意，自有一种率真、激情和蓬勃向上的生命活力……其成功经验不外乎“才、胆、识、力”四字。已是知天命之年的他，画兴不减，才思不断，佳构时见。这空破得益于他注重“画外功夫”，也即“养气”。

宋展生近期新作像《任尔东西南北风》《几处叶沉波》等，更趋写意，大处着眼不尚琐细，似不经意，但情趣益笃，更耐看，更动人。一位真诚的画家，总在一笔一墨中寄托自己的生命情感与不息追求。这正是宋展生画作为人所喜爱的内在因缘。

宋展生认为，对于从事艺术创作的人来说，提高文学等修养是“养气”的有效途径之一。我早年先后攻读了大学的中文系、美术系，双学科学历使他受益匪浅。在长期的艺术实践中，我坚持致力于读书和绘画，潜心传统，力主学识、修养、画技不偏颇。我们知道，画家表现生活，从物象到艺术形象，需要有认识上的升华。这种升华，要通过美学上的“移情”作用，达到“物我同一”，创造出比本来形象更本质更凝练的艺术形象。在这一过程中，画家的功力、修养、经验和艺术趣味无不受到考验。如何发他人之未发，就需要画家的“识”作判断，“力”为支撑。

以下两幅画，在省图馆诗画赏读时，我给他的画配的诗两首,我自己认为比较符合他的画风。

1、仙鹤在上

仙鹤在上

罗唐生

让七彩绽放

层林尽染

让心锁定在长空

沿着太阳的轨迹

我们一同去翱翔

有佛发光

有仙鹤在上

有天空遮盖了

九寨的蓝

斑斓的海子

在高处低语在低处藏蓝

这是世纪前的故事

风很轻

鱼戏水

鹤的美丽姿势

撞击了我的心坎

大雁星空在线评：与其说鹤是人心的化身，还不如说它是在上的化身，在上不是位置，而是一种自由和包容的美丽，也是一种生命感动，给我们的审美启发和身心调理。

2、听懂鹤语

听懂鹤语

罗唐生

不再蹉跎

我已听懂鹤语

还有风声水起

千山万鹤都在身后

水易伤逝

天空容易划伤

太阳已西坠

蓝的季节还在延续

阳光还在与大地耳语

无人担心鹤会西飞

它又折回

谁在倾听

风的力道

与夕阳的安静

大雁星空在线评：鹤的形象，在诗歌里面已经不是高飞和远走，

而是在静寂的境界里倾听世界或者自己的心跳，这无疑是一种对

人的单纯和容纳之心的回归，是大智若愚大音希声的境界了。鹤已经是空中的妙境，而守候鹤的人，则是鹤境之外的自然之境，原有之境。所谓山外有山，纯朴的守候，才是大美之山。

这就是宋展生的定力、视野、境界和高度，相信历史一定不会忘记他。

陈济谋是一位曾任省文联原党组书记，现任中国文联委员、中国美术家协会理事、福建省画院院长、福建省花鸟画学会名誉主席，他的花鸟画大气浑厚，笔墨多恬淡如水，骨中见柔，柔中生情，笔墨总于写与不写之间，情趣黯然，笔墨厚实、饱满，诗意之境，意蕴无穷，空间广阔，很是精彩动人。除了工作繁忙外，他还痴痴不倦地专攻花鸟画。擅花鸟、能山水、工行草。以水墨意笔见长。善于用水，画风逸放。他的花鸟小品有的晕，有的染，浓淡相融、水色相撞，在炎炎夏日中让观众体会一番水墨诗意。

曾贤谋先生是一位抛却羁绊锐意出新的写意花鸟画家。写意花鸟作品重“写”重“意”重“情趣”，以情动人正是其作品的魅力所在。曾贤谋先生的画室称《白雨轩》，正如其写意作品的泱泱水趣一般，给人以沁透心扉的湿润清爽之感。他的作品中的墨牡丹，湿气淋漓，漫纸氤氲，犹如主人刚搁笔的新作，体现了曾先生用水的独到之妙。曾贤谋先生早年习艺中西绘画兼之。后专攻中国画，得宋省予指授。 薛永年先生曾评论：“贤谋的大写意花鸟画，是近年来几位画家不约而同探索的新形式，不画折枝，也不是毫无剪裁，既有自然原生态的特点，又有艺术加工，整体表现酣畅淋漓，有过雨湿润的感觉。”就是对他恰当的评价。

檀东铿我认识最早：2003年我在县级兼职文联一线工作时接待檀教授，他带研究生到玉华洞写生，快要结束时，应邀到出资方画幅画，我到他画画的工作室看他，他已经为一幅画画了整整一天，见我只是点点头，又埋下头继续他的创作。他那种认真的态度和敬业精神一直感染着我。一晃十几年过去，再次见面，他因过度劳累，身体每况愈下，只说他儿子画画不学他的，有点遗憾。我说不学您的就对了。再后来的几个月后，在研讨会上见面，我都有点不敢认他了，还是他主动将自己的画给我看。我说，这些画与十几年前没太大差别呀!他大为惊讶!我只好安慰他说，什么时候就您的花鸟工笔画和宋展生的花鸟写意画的差异和审美取向这些课题，我们研讨下。他点了点，忽有所思中，又从手机中翻出更多画给我点评。正当他很有点着急的样子时，在一幅画前，我终于为之一振。心想，他修成正果了。如今斯人已逝，让人怀念。顺便说一句，我在将乐一位朋友家中见到他送的一幅书法，虽然是传统的楷书，但六尺整张的小楷，非得花一天的功夫。功力真得很不错，可见他做人做事的态度。

沈钊昌认为：檀教授当是国画大师郑乃珖的关门弟子，但他自己在福建师范大学教了一辈子美术，他的弟子同样很多。对于他对福建美术的贡献，还是由他的老师郑乃珖说更为贴切。

郑乃珖认为：数十年前，檀东铿是我邻居，20世纪60年代初他开始学习中国画，那时山水、花鸟、工笔、写意都画，后来逐渐转而主攻工笔鸟画。

他对画很着迷，学习很用功，笔不离手又肯动脑筋，且注意理论和实践相结合，因而进步很快。尤其是近年来，画作日趋成熟精到，观之，真有“士别三日当刮目相待”之感。

檀东铿的作品既端严精微又气度开张，给人宽博之感。他的每幅作品都画得很精美，从造型的概括取舍到用线用色都十分讲究，但是却不拘谨;形体丰秀大方，线条消劲圆隽;放得开，收得住，色彩统一协调又有同一中的小变化。像他的牡丹、芙蓉，花朵都画得硕大、丰满，占据了画面很大的位置，显得轻盈厚实，毫无空薄之感。他的几十幅作品，每一幅都有一种基调，既保持了一副画色彩的协调，又拉开了画幅与画幅的距离。

檀东铿的作品，在突出画面主体时，注意到主题和环境的联系，注意到借物言情，努力把对象表现的有活力，有诗情画意。因而他的作品给人许多画外的暇想，给人余韵无穷的感觉。从他的画作中，我们看到了作者高雅的情趣，看到作者经过长期实践

积累起来的创作经验和深厚的传统功力。出画集，办画展，画作一多，往往难以避免雷同，要克服这点，就要注意收集素材，从生活中吸取营养，就要注意不同的立意取材，就要注意运用多样化的表现手法。檀东铿注意到了这些。他的作品直接来自于生活，像杜鹃、马蹄莲、芙蓉等，无一不是来自于写生稿本。正因为来自于生活，所以像木芙蓉之类的花，他画得绝不同于画本，而是画出了自家的画，且显得风姿卓约、体态万端。

他平时学习勤奋，空余的时间抓得很紧。他注意向传统、向前人和当代的画家吸取营养，学习多样化的表现手法。他作品中以工笔花鸟为主，却能兼工写意和山水。他注意到了工与写、双钩与没骨、白描与重彩等多样花鸟画表现手法的结合运用，且结合得十分自然。此外，为了拉开画作的距离，他还注意到构图的变化。这本扇面集的作品，有的画材满纸，枝繁叶茂，有的画面空灵，仅幽花数朵。但不论是繁是简，他的构图都处理得跌宕多变，欹正相生。画材多的画，密而通灵，风姿依然秀美;画材少的画，少而不空，空白处皆成画境。古人云：行成于思。一幅画要画好，笔墨的基本功是需要的，但还要有灵感，要善于用脑筋去思考，有了创作的灵感，三思而后行，才会把作品画得更有深度，更有感染力。

檀东铿说他画画重在表现自己的情思，重在立意，而不在于手法上的标新立异，只要立意确定后，为了突出主题，表现画的意境，什么手法，不论新的、传统的他都用。正因为他在穿做中强调了言情，注重表现作者的思想境界，因而他的作品自然渗透了自己的个性，形成自己的风格，显得不同凡响。

檀东铿年轻时时念中文专业的，他对诗歌散文尤为嗜好，也写得一手好诗文。这些文学修养赋予它作品较多的内涵，再加上他对书法的素养，使他的这些作品情调优雅，具有深厚的书卷气。

著名文艺评论家国画家袁运甫认为：工笔花鸟画很有深度，文学的基础是一个特殊的领域。在中国花鸟画上是一个很有特色的画家，很有基础的画家，我很喜欢他的画，充满画外之音的追求。严格于写生，在色彩构图都很有讲究，色彩用的很节省，很有新意。

《人民书画家》主编杨嘉铭认为：我多年已经真切地看到，檀先生是一位对艺术有感觉的画家，传统开创性的画家，勤奋的画家，执着的画家和有抱负，有追求的画家，有时代责任感的画家。他的艺术创作是不同的，和千篇一律的画坛拉开了距离，走自己的路.......。在当代中国画坛，可以说檀先生是一位极具影响力与研究价值，风格独具的工笔花鸟画家。

《艺术市场》主编马雨晴认为：自大学时就对先生笔下情调优雅，浓厚书卷气的花鸟画作品很有感觉，无论先生的工笔、写意、还是书法作品都能定格在我心灵深处的喜欢和爱!艺术只真情才能动人，在先生的作品中找不到浮躁之气，我想正是先生捧着一颗朝圣者的心，嗑长头的艺术精神信仰，触动观者。先生的作品一直以学术与创新引领市场，先生对传统工笔画的继承和变革，为市场补充了新的学术理念。

东方健(柯健)认为：当年我在师大求学时，檀东铿先生教授中国美术史。记得当年这一学科完成时是要交论文的。蒙檀先生青眼，我论文分数还很高。上届干修生的班长，王鹏飞先生和檀先生更熟些，借了一张檀先生的工笔牡丹临，我看了喜欢，也临了一张。感觉檀先生的色彩用的很干净，款识字体也很平稳，就像他的为人一样。所谓先生之风，山高水长。

李辉在花鸟与山水画之间恣意纵横几十年，对他的作品关注的评论家众多。而我得益于冯小莹兄，相识才一年左右，但我对他儒雅的风范多有倾心，从对他的作品断断续续的欣赏之余，也多有感动。一位画家能从花鸟与山水画之间，以诗意情怀雅趣，从美学角度进行发掘出自己的个性，并摆渡山水之间，没有深度的个人修养是难以突围囿于历史的局限和惯性图式的模式的。也许他个人不这么认为，但我从其画面的个性风格来研判，他有向更高领域攀登的才华与情感趋势。我很少对一位当下花鸟画家的作品如此感动过，可能因为自己在写作而非绘画的领域的原因，知其难而不知其所以难。可我偏偏认为局外之人，对画界圈内作品更有审美和判断力。谢冕和孙绍振导师从不写诗，还有谢有顺和陈仲义也从不写诗，但他们却用独到的眼光，发掘出象舒婷、汤仰宗、郑小琼等等优秀诗人。对于舒婷，当然得益于蔡其娇先生，舒婷在《致橡树》中用诗意表达了感激之情，这是后话。

同理可证，并不一定要书画家，才能发现真正有才能，并能在绘画史上留有一席之地的优秀画家一样。谢云生谢向英父女是集公益慈善中走出的“传统创新”的书画大家，林容生兄的定位，长期以来，我发现评论界均对他多有偏差，我就一篇拙作青绿山水“地理乡愁”代表人物，让我俩成为知己;陈济谋书记是亦政亦画的“花鸟钟情"大家;曾贤谋前辈是花鸟神韵“多姿厚重"之大家;对于宋展生兄长，我就是定位他“万鹤在胸”风范大家的“半醒子”，这是他个人心性与修养的历史必然 ，得此兄长成为知己;杨挺院长是中西结合的“园林山水”大家，别无他说;黄莱教授是“狂野媚气”独特大画家;梁明兄是“地域泼彩”山水画领域的领航人;游火旺教授是“音乐符号”的痴情大家;徐志坚教授是“独特心像"创新大家;唐承华教授是取西方“色彩盛宴”的重要画家;缪又凌兄是书法线条与抽象绘画的“中西合璧'的鬼才。如此推来，李辉兄则是山水与花鸟画的“纵横心像”攀登大家。每一位画家，都要有自己独特绘画语言和美学建筑的图式结构和笔墨情怀，山水画往高层次要求，得“形成以禅、道为立境，以诗义为喻示，以三远为空间，以皴擦为笔墨，以自然为观照，以心源为师法的一个完整的表述系统。”如是我闻，如姚莉芳，刘瑛，马婉玉，谢赠生，冯小莹，曹霄龙，童辉、林向华、陈耀松、黄河清等画家风格正处于历炼、孕育，风格渐渐形成阶段，属福建画坛的生力之军;东方健兄作品虽不见多，但书法与文人画风格结合突显，值得期待。否则，一位所谓的画家再如何请别人吹捧自己，也均是过眼云烟。历史就是这么无情，别无他路，就此打住。

宋展生认为：李辉写荷，洋溢着深厚的文化底蕰，周敦颐笔颂荷之品位格调在氤氲墨气中悠然诠释。其布局构成，墨块对比，线条聚散收合，整体处理既源于深厚的传统功力，又不囿传统，生发出自我意识和当代元素，形成他个人潇脱，雄浑，博大的独特画风，为人们所推崇，难能可贵黄莱

黄莱认为：我与李辉兄颇有渊源，应追溯到上世纪八十年代初，当时、省美协、书协举办“八闽青年书画展”福建日报为此作大幅报道，题目为:“丹青妙手青年擅”。孝辉《荷花图》荣膺国画类一等奖，我亦名列二等奖。一晃数十载，李辉兄已然为省美协领导，一方诸候，成绩斐然，可喜、可贺!当下，以擅画荷花的李辉在众多画荷的画家中是佼佼者，同时旁及山水其它题材，均有建树，尤其荷花在其笔下，一如荷、莲之品质，不染尘俗，.格调清雅、无时下媚俗之气，其细节认真拜读，感其有诸多独到、创新之处。在画坛无疑是命世者，古人有″志小者必忽大、俯而扪虱、不暇见天."，我想李辉兄是志大者，其更大的成就指日可待，我乐见其成!

马婉玉是杨挺名誉院长推荐给我的一位女画家，我们在中艺福建永春乡村艺术馆第一次见面，我们谈工笔画，谈对绘画的认识和作为画家的标准、德行等等问题 。一路采风一路交谈，最后，以德才兼备为标准我们达成共识。谈到马婉玉作品时，我认为她的画传承父辈，画风宁静淡雅，古朴清新而优美，工笔或工笔向写意四面八方漫涎开来，韵味悠远 。花是安静地燃烧着，树是铺着枯笔的画风，有枯树老藤高境 。

马婉玉曾经写过一文《聆听花语 》为她的工笔画给了最好的注解。她写道：

正月，到处还是寒风凛冽、冰雪凝冻的季节，地处祖国西南热带雨林的西双版纳，却是树木葱茏，鸟语花香，满园春色。我连续几年到版纳写生，为创作积累素材，每次都收获颇大，厚厚的一叠写生稿，更重要是开扩视野，加深对艺术的理解和感悟。写生让画家直接观察自然界体悟自然，纯净内心，开阔心胸，教会我们热爱生命，热爱大自然。写生让你捕捉到大自然中最生动、最鲜活的感受。也提升自己对花卉的概括提炼表达能力，让画面充满生机，艺术与自然完美结合。画花，要爱花，静听花语，让花所蕴含的生命活力和生动的气韵涌现在你的画面。

对花写生，独立于花间，带给人超然物外的一种美感和审美愉悦，谛听花语，给人情感上的满足，静坐花前，让你感觉到自己是那么的惬意。 画花要懂花，聆听花的心语，与花对话。家乡是白茶的故乡，茶楼古色古香，茶桌上一束乳黄色的鲜百合，满屋清香。百合象征百年好合，纯洁高雅，也意谕着财富和幸福，百合花朵硕大超凡脱俗，让我喜爱，为之钟情，成为我最喜描绘的花卉。青花瓶上一束百合花，临窗而放，案上几本古籍、几盏香茗、一只懒猫，犹如一段尘封已久的古老往事。

画面传达的情愫，引发众多欣赏者的共鸣。将个人独特艺术感受与真挚的情感相溶合，画面涌现的神韵气场，蕴含着至善至美至真的艺术境界，传达了意境之美，情绪之美，诗意之美。 欣赏花开花落的缤纷，静心聆听花开花放的天簌，灿烂的鲜花使人心扉洞开，心结释然。

一花一世界，一叶一乾坤。佛语说：笑看花开是一种心情，近赏花落更是一种好境界。 放慢脚步，留点空闲，放松心情，聆听花语，纯净心灵，体悟生命的真谛。

有位叫辛 民的评论家用《清新典雅，秀润华滋》——读马婉玉工笔花鸟近作。他说：

福建画家马婉玉主攻工笔花鸟画。她的工笔画远承精于审物的宋代“院体”和元代风韵，精研古法，深思彻悟，精于变通，吞吐历代诸家之长，兼收并蓄而融为一体，在传统与现代的融变与创新中独辟蹊径，将创造力推到一个完全崭新的境界，开创了其独特的工笔花鸟新图式。马婉玉在创作中,把强化和纯化了的视觉语言放在了首位。以严谨缜密替代了柔弱浮浅和粗陋松散，庄重典雅抵制喧嚣媚俗，新的工笔画形式终于在转换中脱颖而出。

马婉玉曾在文化部现代工笔画院及中国工笔画学会创作班学习，这为她日后的创作打下了扎实的基本功。此外，她长期致力于唐宋、元绘画的研究，认识到工笔画只有根植于传统，才能有现代，才能谈创新，才能有民族性和时代性。通过艺术创造，脱开陈陈相因的旧格局，方能形成自己的形式面貌，呈示出时代气息。

中国画当代性的视觉语言离不开对传统滋养的汲取和对外来艺术的融汇。马婉玉的工笔画大胆冲破旧文人画的束缚而建立起新的审美观念和绘画图式。马婉玉从博大深邃的中国传统哲学得到启迪，在探索和创新中获得新的艺术生命。她的作品在传统与现代的融变中攀登上一个新的艺术高度。

用心品读马婉玉系列工笔画作品，深深地为其作品中洋溢着的生命激情所感染。从她近期的《雅室清韵》等作品中，我们都不难看出，她的画作是灌注了大地情歌的心灵史图，阐释着真正的诗意般的生命激情，是对和谐生态与自然风采的精准诠释，她以女画家的敏锐和细密的心象构画出自然之大美，同时，体现出画家超拔的情感力、文化力和创作力，其作品能给读者以强烈的艺术震撼。

傅抱石先生说"一切艺术的真正要素乃在于生命，且丰富其生命，有了生命，时间空间都不能限制他"。崇高生命可以说是中国艺术的最根本特点。中国艺术理论反映的生命意思——是对生命自身的描述，如艺术理论中的气、韵、神等。它在艺术符号之间氤氲、流荡、滂沛淋漓。尤为难能可贵的是，她能走出繁琐的俗务之累，潜心创作所流露出的那份恬淡心境和其作品呈示出的静逸幽雅，令人回味无穷。

艺术之路坎坷崎岖，正如王国维所描述的治学境界：众里寻她千百度，蓦然回首，那人却在灯火澜珊处"。如今，马婉玉已在工笔画领域有了不俗的表现她那婉约、优美、典雅的作品已受到读者的广泛关注和好评。作为同道，笔者深信，有她对待艺术的严谨缜密的创作精神和那种穆如高贵、古典的艺术情怀，宁静淡泊，优雅含蓄、内敛蕴藉，淡定从容的性格特质，如她能够不断开拓视野，丰富学养、情操，提纯笔墨，在坚实的传统文化中与大自然之心紧紧契合，循序渐进，渐臻佳境，定会成为倍受关注的中国画家。

辛民认为：她的画作是灌注了大地情歌的心灵史图,阐释着真正的诗意般的生命激情,是对和谐生态与自然风采的精准诠释,她以女画家的敏锐和细密的心象构画出自然之大美,同时,体现出画家超拔的情感力,文化力和创作力, 其作品能给读者以强烈的艺术震撼。

王来文认为：闽东才女马婉玉，继承家学，肆意丹青，为桑梓艺苑勤耕，受同道称赏，其画作在传统中大胆出新，引装饰之美构，融色彩之营养，多取青花古甁、民居窗枫、蓝印花布，珍花异草为题材，构织画面，构成颇新颖，景物刻划入微，色调情逸冷艳，古味斑驳中透清雅恬静之气息。其治艺虔诚，为人真诚，才德双馨，诚吾闽难得女画家。

杨挺认为：马婉玉与东海名胜太姥山为邻，受到家学和闽东一带画家墨客艺术的熏陶，长年坚持研习中国画，学而不厌，矢志不渝。章法独特，以平面构成组织画面，景物刻划的大气舒朗，细致入微地描绘不流媚俗，色调冷艳清逸，正反填染极具苍润浑厚，融入装饰手法，形式感强，技法娴熟，凸显个人风貌。

马婉玉的其它作品也变化多样，她那清雅澹静作品也十分凝重厚实，高调中蕴含着古味斑驳的肌理效果。画中多以青花古瓶、青花瓷器与古民居中的窗格图案、蓝印花布、红木家俱组成一体，运思巧妙，构成新颖，将生机勃勃的花鸟、郁郁葱葱的盆栽点缀在幽闲静谧的氛围中，激活画面。她以书法的笔意勾线造型，使用“三矾九染”，也使用“平涂填色”渲染填色交替互用互补，时而厚涂，时而薄罩，丰富的技法语言，增加艺术的表现力度。

陈瑞鳞认为：女画家马婉玉脱颖而出，选择了一条属于自己的路。她着力开掘案头静物彩墨画系列，其作多以案头插花与蓝印花布相结合，点缀以窗格、桌椅等辅助的物象为题材，突出静雅典丽的格调，她的创作将中与西、传统与现代的审美观念融于一局之中，选出自己向往的意境和审美情趣 。

罗一鸣认为：现在的社会充斥着浮躁的气息，这种气息也感染了艺术。在浮躁的背后，许多的青年画家无所适从，找不到自己的定位，茫然的跟着风。婉玉不同。她的画犹如她的独白，顺畅自然，透露着一种亲切感。单纯的语言把丰富多彩的画面因素统筹在一起，极素平常的画面里擦亮点点生活的火花，和谐的画面淡淡流淌一种雅趣，自此，艺术便和生活通融了。

网友认为： 在朴素而敦厚的视觉形象之下，在笔与墨的自由穿梭之中，山水景色、无限春光、恋恋金秋、波涛滚滚、晚晴风景……总有一种生命的存在，以一份隽永的神情，诗化而灵性地显露在画面中。我国传统国画，总是让人感受到这样的一种内心的震感，同时也是心灵的一种纯净感染。我国传统的国画作品，以笔墨为诗为画，演绎了一幅幅动人的画面。其作品笔法细腻，意境优美，值得珍藏。

除了以上谈的我们福建一些花鸟画家以外，我个人观点，当然福建这么多年来出现很多画家包括老一辈的、年轻一辈还有我们福建省的王来文先生，他画花鸟画。他的花鸟画白描，尤其是在白描线条的表现方面来说，也确实是发挥的非常精道，非常讲究，非常有学问，由于他的小艺的一些花鸟画。其实笔墨，也很经典又很简单，非常雅气、非常高雅。包括还有一批年轻的包括我们老一辈的，也包括厦门的林深、白领先生、郑竟闲先生等。

翁振新先生尤其是在表现惠安女的时候，他大胆地在构图方面，包括水墨方面，非常大胆，用色也非常大胆。他的线条非常泼辣，墨色非常清透，清秀，在整个形式上应该说是非常大胆的。而且确实是他整个画面给观众一种，尤其是在水墨的应用方面、技法方面上来说，是表现的非常精彩。

翁振新长期潜心于高等美术教育、中国人物画创作与理论研究，是当代著名写意人物画家。他深入研究海峡两岸人文资源与文化生态，切入写意人物画创作，注重反映现实生活和地域特色，融合中西、兼取南北，无论是巨制还是尺幅，无论是主题性的宏大叙事还是唐诗宋词的演绎，都显示了雄中寓秀、稳健豪放的新写实风格，拓展了当代水墨人物画的表现力，尤以表现惠安女的独特佳构而享誉画坛。他以惠安女为载体，诉说自己对中国劳动女性精神的理解和体悟，同时也融进自己的情感和体验。他的人物画追求生动、遒劲、骨气，写实和象征浑然一体，或一泻千里、自然洒脱，或情景交融、凝重深远，把海峡两岸的世代沧桑凝铸成一幅幅史诗性的画图，具有独特的闽海意韵。

在翁振新身上有着一种苦行僧的气质——对过分的物质享受的淡漠，对艺术的发自内心的热爱，他具有鲜明的他那一代人经历过生活的磨练而沉积下来的强烈的责任感和使命感。这种责任感和使命感使他能够在光怪陆离的都市艺术乱像中始终没有迷失前进的方向，使他能够始终葆有一种旺盛的发自生命深处来自传统又打破传统的创造力。

所以翁振新先生因为他是土生土长在惠安长大，他是一个环境，从小受到感染。所以她所表现的一些惠安女的方式，从绘画的表现方式上与全国各地的画家都有所不一样，这就是他自己的独特的一些语言表现方式。

当时的福建现代人物画还比较薄弱，翁振新在对传统精髓如饥似渴地吮吸